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载入历史的摄影巨匠们传承了时尚摄影的变迁

发布时间:2019-06-19 23:12 来源:未知 编辑:admin

  喜爱摄影并有所钻研的人应该都对这句话感同身受。在查阅课程资料的过程中,我翻阅了许许多多的照片,意外的发现了时尚摄影有趣的变迁史。最近喜欢“旧”东西的我,想和你们一起看看这些令人惊艳的时尚摄影。

  最开始注意到时尚摄影是因为“入时:康泰纳仕百年摄影展”,这个展览是2017年年初在北京尤伦斯当代艺术中心展出的图像及影像展。

  这一场百年摄影展切切实实的反映了时尚摄影的变迁,这些摄影作品既反应了摄影技术从黑白到彩色的进步,也反应了时尚变迁。我们可以看到 1920 年代流行的短发造型,还有那个时候还没有进化成比基尼的泳装照。

  还有一个非常值得研究的特点是,最初的时尚摄影很少有针对人脸和时装产品的大特写,较多使用中景和全景的拍摄手法。

  因为照相机和印刷的费用都非常高。大多数早期的时尚摄影师都与富有的文人社团有关。第一个时尚摄影集是关于郎世宁伯爵夫人的影像小书,由皮埃尔·路易斯·皮尔逊( Pierre-Louise Pierson)在1856年制作。夫人衣着华丽地出现在拿破仑三世的宫廷中,她恐怕是现代历史上的第一位时装模特。

  事实上,时尚摄影的历史不如纪实摄影久远。只是随着时尚工业的繁荣应运而生。早期时尚摄影的变化更多的是来自于摄影设备的更新和场景的变换,而不在于摄影的形式和内容。在影像上,因为时尚模特的加入,才终于突破了时尚摄影刻板而单一的格局。

  在最开始,时尚摄影就是让模特在自然光下摆出自然的造型,而确立这种方式的就是迈耶男爵。迈耶男爵被誉为“相机的德彪西(作曲家、音乐评论家)”(The Debussy of the Camera)。因为就像德彪西的名曲《月光》一样,在Mayer的作品中每一寸都透露着捉摸不定的细腻优雅,让光影与色彩在画面中完美融合,将光影美和朦胧感发挥到极致。

  做为Vanity Fair和Vogue正式签约的第一位摄影师,Mayer为康泰纳仕创作了不计其数的绝美作品。他作品的特点是善于运用美妙的背光和软焦点镜头。

  让.爱德华.斯泰肯被誉为“第一个现代时尚摄影师”。在成为《Vogue》与《Vanity Fair》(《Vanity Fair(名利场)》是美国著名生活杂志)的首席摄影师前,斯泰肯就已经是享誉全美的摄影艺术家。

  在当时的纯艺术摄影领域,参与时尚摄影被认为是艺术向商业的“屈服”。尽管受到同道的诸多非议,斯泰肯(Steichen)在为商业杂志的拍摄过程中成就斐然。成为第一个具有现代意义的时尚摄影师,后来的Richard Avedon、Robert Mapplethorpe、Bruce Weber都是其风格的追随者。

  爱好绘画的Steichen深受雷诺阿、马奈和莫奈的影响,这使他的作品往往结合画意并总能透露出一种朦胧优雅的印象派美感。在这其中,他在纽约Mamaroneck创作了代表作《The Pond-Moonlight》是他早年风景画的代表作,这件原价75美元的作品在2006年2月在纽约苏富比拍卖会拍得292.8万美元。 你能在这张摄于1904年的作品中发现一抹浅色的月光,它的价值在于照片经过多次成像,画面呈现出宛如油画般的细腻,影像层次、色调非常丰富。

  斯泰肯的拍摄风格,最初是试图采用柔焦来营造时尚摄影中的艺术感,但他很快就摒弃了古典绘画风格的布光与影调,开始使用更明快的现代主义风格,尤其在对女性肖像的拍摄中采取了更具诱惑性的表现方式,完全改变了公众心目中的女性形象。

  在我看来,如果说Mayer是先行者,那Steichen就是时尚摄影的发扬者。

  霍斯特P.霍斯特,原本是一位计划到巴黎进修建筑的青年,后来因为机缘巧合而变成日后的摄影巨擘。

  早期Horst的作品受古典主义影响,很具有古典意像的魅力,着力通过光影表现人物情绪。他以希腊雕塑和古典绘画作详细的经典姿势研究,并特别注意手在肢体中的定位。

  而建筑学的影响让他在后期的创作中,通过布景中线条分明的层次感和逻辑感赋予每张照片独有的故事,构成复杂与条理并存的空间结构。因为这种元素的碰撞,Horst就是古典背后的不羁。

  欧文.布鲁门菲尔德(Erwin Blumenfeld, 1897-1969),是一个非常值得一提的摄影师。他的作品不仅仅局限于时尚摄影这一门类,因为这一次的资料收集我看到了更多他关于时尚摄影的作品,不禁感叹这位摄影师的创作的伟大。

  欧文.布鲁门菲尔德在希特勒时代逃到美国。作为一个摄影实验者,在色彩和灯光的使用方面都作出过创造性的贡献。战后曾经为《Vogue》和《哈珀坊》工作。他还做试验电影。在达达主义的影响下,他形成一种超现实主义的风格,他的摄影作品抽象、变形,构图让人出乎意料,带有一种强烈的视觉冲击力。欧文最初采用黑白方式进行创作,直到彩色照片的摄影技术成熟后,他才将黑白摄影的创作完美应用于彩色照片的摄影当中。

  欧文.布鲁门菲尔德的作品是超现实主义、是达达主义的,有许多拼贴的创作方式在里面。他的一些作品会有抽象与变形,虽然诡谲,但这种独特的风格却总令人想细细研究。此外,欧文.布鲁门菲尔德的许多作品也喜欢通过薄纱或者薄膜等有模糊意象的东西来表达。模糊的背后是模特们自由的肢体展示,感觉似有一种含蓄与夸张的冲突。

  在我看来,从欧文开始,时尚摄影开始有局部人像的特写,时尚摄影的风格与拍摄方式也开始发生了转变。

  盖伯丁(Guy Bourdin)是一位充满实验意义的时尚摄影大师,超现实主义的风格、软色情意味、古怪的戏剧和间隔感,被称为法国的当代牛顿。在上世纪70年代,他的作品几乎遍及在所有的国际顶级时装杂志。他的作品可谓是超现实的感官诱惑。

  法国《VOGUE》时尚摄影师盖伯丁(GuyBourdin)的作品象征着从50到80年代时尚摄影历史的缩影。“那些在不同色彩的沙发上,一双因为超短裙而遮盖不住的玉腿”,便是盖伯丁最著名的影像标志。他的作品展,在当年被《纽约时报》评论说“他让伦敦的夏天陷于影像的记忆中”。

  盖伯丁研习过素描和水彩画,并多次展览过自己的水彩作品。1955年盖伯丁开始与法国《VOGUE》合作,作为法国Vogue的首席摄影师,Guy Bourdin携手Vogue一同创造了最具颠覆诱人的时尚摄影新风潮, 他从不依赖当时新兴的数码处理,也拒绝墨守以往摄影技法与布景的老套刻板。

  上世纪60-70年代,各种社会思潮风起云涌,物质消费欲望与审美理想正是现代时尚摄影的重要理念来源。在那个社会改革,性解放,消费文化蓬勃发展的年代,他用超现实的大胆构图,戏剧化的故事叙述和夸张放大的主题渲染,成为同时期最顶尖的摄影师之一。盖伯丁以其独特的视觉表现方式和摄影理念,被誉为20世纪视觉文化领域最大胆、最有创新精神的艺术家之一。

  要提到时尚摄影就一定会提到这位美国女摄影师——迪波拉.特布维尔。迪波拉.特布维尔和牛顿(Newton),盖伯丁(Bourdin)生活在同一时代,在成为时尚摄影师之前,她曾经是Harper’s Bazaar的编辑。她也为《Vogue》和其他一些时尚杂志创作。

  她采用的常常是是软焦镜头。尤其擅长拍摄群像,在1970年代,她最早在时尚摄影中加入了些许阴郁甚至血腥的元素,她将传统的时尚摄影引向某种“前卫艺术”的发展方向。

  “她能创作出一种环境”。这位传奇女摄影师的工作伙伴马辛·斯塔沃兹(Marcin Stawarz)说道。在迪波拉之前,时装摄影向来以明艳动人的光和颜色为基调,渲染着对优雅体态、精美物质和欲望的美好向往。而她的出现,就像是一支悦耳旋律中乍现的不和谐音,将时装摄影带向哥特式的悒郁和凄迷之中。

  1975年,迪波拉第一次以摄影师的身份为美国版《VOGUE》拍摄了一组泳装大片。在这组仿佛严重褪色的图像之中,身穿泳装和浴袍的模特们被塞进了一间布满水渍的公共浴室,百无聊赖地摆出各种姿势。这种颓废的气息彻底颠覆了世人对于泳装大片的所有认知。她特有的近乎失焦的拍摄手法、古典主义的构图和拉斐尔前派式的油画质感,让人们在时装摄影中找到了一种遗失的昨日之美。油画质感的照片正是迪波拉的风格。

  在此之后,迪波拉又为《VOGUE》创作出了如“Five Girls in a Room in Pigalle, Paris”这样的经典作品,并为卡尔·拉格斐、帕洛马·毕加索(Paloma Piccaso)和川久保玲等设计师拍摄了许多风格奇异的照片。在为时装杂志服务的同时,迪波拉还用镜头和胶片,记录下了没落的意大利皇室成员肖像、俄罗斯芭蕾舞团,和场面盛大的威尼斯狂欢节,用她独特的镜头语言,创造出了一个弥漫着哥特气息的世界。

  另一个时尚摄影变迁史上十分重要的摄影师是史蒂文·梅赛,他被称为“时尚摄影教父”。

  史蒂文·梅赛是世界顶级时尚摄影师,从上世纪80年代以来就一直处在时尚摄影的浪尖。从很小的时候,他就对时尚非常着迷,没事的时候,他就喜欢拿着一本《Vogue》做素描。

  12岁的时候,梅塞就曾假装是摄影大师Richard Avedon的秘书而混入模特公司。而且还巧遇当时的超模Twiggy,并拍摄了他第一张摄影作品。

  Richard Avedon是梅赛的老师,Richard也是一名在时尚摄影领域创作多年的资深摄影家,1969年拍摄反战运动,1985年在美国西部拍摄了摄影系列《In The American West》,这也是Avedon艺术生涯中最重要的代表作。

  作为时尚行业最具威望的摄影师,梅塞不仅帮助不少模特实现了超模的梦想,同时还促成了2008年7月《Vogue Italia》的全黑超模专辑,这次大胆的尝试更是推动了时尚圈的“黑色风暴”。

  意大利《风尚》杂志曾发表了由梅塞拍摄的一组反战照片《Make Love Not War》,呼吁停止伊拉克战争。

  美国大兵象征着美国战争,美女则象征着对美好生活的憧憬。画面中生活的美好与战争的残酷形成了鲜明的对比。作为一名时尚摄影师,梅塞非常注重用自己的方式去关注正在发生的事情,让我们看到时尚摄影其实不仅仅是花拳绣腿和风花雪月,只要有心,它也可以很有力量。

  史蒂文·梅赛师承Richard Avedon,他们二者都在人像摄影方面做得非常出色,无论是整个画面的色彩搭配还是画面风格基调都非常有自己的特色。梅赛的人像摄影总能将人像的五官特点诠释地美而精致,营造出不同的氛围,给予照片不一样的质感。无论是油画质感,还是梦幻朦胧,他将纯影像语言把握的十分到位。

  《Make Love Not War》一系列照片的整体风格和创作理念是我最喜欢的。大地色的基调,加上一些红色或紫色的点缀,大场景的布置,一种恢弘感油然而生。不比其他时尚摄影摄影师只对服装、服饰进行关注,梅赛更多是通过时尚摄影来反映这个社会。让我们看到时尚摄影也可以是很有力量的一种表达自己内心想法的方式,也可以是一种唤醒社会的一种方式。

  说了那么多经典的摄影师,现在来说一下我最近关注的一位摄影师吧——Kristian Schuller,他是一位法国的时尚摄影师。

  关于这位摄影师,我是在FOTOMAN网站关注到的,这个网站有很多有趣的专题的和摄影师。我一直认为,在摄影方面,有一定基础之后,视野比技巧更重要。所以我觉得一定要多去看他人的作品开拓思维。

  这里放出的这组作品是时尚摄影师 Kristian Schuller的ebook -〝90 Days One Dream〞摄影集。书中收录了他在 90 天内环游世界各地美丽景点所拍摄的美丽照片,他大胆的色彩搭配和一些大型道具的运用再加上大胆的奇幻异想,塑造出一个诱人的超现实梦境。

  第一次看到Kristian Schuller的作品时,就被他作品中那种恢宏的气势和大胆的色彩搭配所折服,他几乎将法国人骨子里的那份浪漫和自由完美的融入在他的每一幅作品里。

  Kristian Schuller十分善于利用道具来营造氛围,我们可以在他的作品里见到诸如降落伞、有着巨大裙摆的长裙、脚手架等等,这些道具无一例外的给他的作品增添了非凡的气势,再加上模特完美的演绎,让他的每一幅作品都深深烙印在你的脑海之中。

  鲜艳的颜色广大的场景,飘荡的打扮,颇具浪漫气息。他的风格特别鲜明,童话色彩,诡谲气氛,不寻常是他的看家本领。

  经典的东西之所以能被称之为经典,一定有它的魅力所在。其实,从这些旧照片中你看不到它的“旧”,照片中的艺术创意在现如今看来依然是“新”的、值得玩味的。例如2005年,VI主编Franca弄的狗仔偷拍主题。

  很多人说,看到从前的艺术创作仿佛觉得现在人类艺术进步停止了。从前的艺术似乎能给予我们更多的灵感,从前的艺术也让我们感叹大师优越的创造力。

  最后,应小哥哥的邀约,我将继续做客每周三小科普栏目,如果你们有什么想看的或是想了解的,欢迎在文章底部留言给我噢!

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